The Coop | Reflections on Invento o Cais with Fernando Codeço, Julia Naidin, Sérgio Andrade, Shauna Janssen, and Laura Levin

Olá e bem-vindos ao The Coop, a HEN
Hangout

e estamos muito felizes em receber vocês
para nossa primeira sessão de 2025.

Nós somos os organizadores do The Coop.

Eu sou T Braun, Franklin Bonivento
van Grieken

...

Denise Rogers Valenzuela,

e fazemos a curadoria do The Coop.

Nós trabalhamos em consultoria com Laura
Levin e Tracy Tidgwell, e Firmo Neves

fará a tradução em tempo real.

Então para ativar a tradução,
você seleciona o ícone do globo

na parte inferior da sua tela,
e se você não ver nada, clique em "mais".

E se chama "interpretação"
para que você possa escutar.

Denise está mostrando.

Você pode escutar o áudio original

em inglês ou português,
e você vai escutar duas vozes

durante a interpretação:
o palestrante original e o Firmo.

Mas se isso for muito estimulante
sensorialmente, você pode silenciar

o áudio original e você pode escolher
entre essas duas opções

durante o evento, e essa informação
que publicamos no chat.

Se vocês tiverem qualquer dificuldade
técnica, pergunte à Denise no chat.

Sim, e também

teremos legenda em inglês

e para ativar as legendas
vocês podem clicar nos três pontinhos

onde está escrito "mais".

E se vocês não conseguirem ver as legendas,
que são um ícone de "cc" em uma caixinha

também na parte inferior da tela.

Sim.

E se vocês tiverem alguma pergunta,
é só me mandar uma mensagem.

Sim,

E para finalizar,
A gente queria informar que nós estaremos

gravando nosso evento para o
nosso arquivo,

e a The Coop é um espaço de encontros
online onde convidamos pessoas

vinculadas ao Hemispheric Encounters
Network, e além, para uma conversa.

E embora muitos de vocês já estão
envolvidos com o Encontros Hemisféricos,

o Hemispheric Encounters Network,
ou HEN, para abreviar,

é uma rede crescente
de ativistas, artistas,

acadêmicos, estudantes e organizações
comunitárias de todas as Américas

que exploram a performance hemisférica
como metodologia,

estratégia pedagógica,
e uma ferramenta para mudança social.

E se

você gostaria de saber mais sobre
as futuras sessões do The Coop,

você pode seguir a Hemispheric Encounters
no Instagram no @hemiencounters.

E se você gostaria de assistir

alguma sessão passada ou algo que você
perdeu, você pode vê-los no site da HEN.

Você também pode entrar em contato
conosco por email:

[e-mail] .

Eu vou colar esses links no chat.

Então, sem problemas.

Vocês não precisam memorizar toda
essa informação,

é mais para que vocês saibam
onde nos encontrarem.

Ok.

E antes de ouvirmos nossos convidados,
vamos oferecer um reconhecimento de terra.

Hoje, estamos reunidos online.

Então estamos todos em territórios
diferentes, cada um com seus próprios

cuidadores originais, e suas próprias
histórias coloniais se desenrolando.

Mas o Franklin e eu

estamos em Tiohtià:ke, ou no que é
conhecido como Montreal.

Então, hoje
falarei sobre nossa perspectiva.

Montreal corresponde ao território
não cedido do povo Kanien'kéha,

e o nome deste território em
Kanien'kéha é Tiohtià:ke,

que significa "partido em dois",
já que esta é uma ilha

que é rodeada por dois rios
e tem sido um ponto de encontro

para muitos povos originários,
e continua sendo.

E nós reconhecemos
que nosso reconhecimento é defeituoso

e que reconhecimentos de terra,
no geral, podem ser problemáticos.

Mas, como anfitriões deste evento,
ainda queremos agradecer

aos anfritriões originais desta terra
e destas águas, o povo Kanien'kéha

e nos lembrar
das relações materiais e históricas

que permitem que nossas vidas offline
e este encontro virtual aconteçam.

E tenho certeza que a conversa de hoje
vai nos oferecer perspectivas

perspicazes sobre essas questões.

Sim.

Nós também temos aqui a Tracy

Tidgwell, a quem eu gostaria de agradecer e
enviar pensamentos positivos para Vernada,

sua gata, que não está passando tão bem.

Então, vamos agora falar com o
nosso convidado, e hoje

vamos ter uma conversa sobre a exposição
"Invento o Cais"

no SESC Niterói, com curadoria de Julia

Naidin, Fernando Codeço e Daniel
Toledo, que mostra obras de 14

artistas das residências CasaDuna
na praia de Atafona,

uma das regiões mais vulneráveis
às mudanças climáticas do mundo,
no Rio de Janeiro.

Através de reflexões sobre erosão marinha,
as obras de arte

exploram questões ambientais, e
perspectivas e processos coletivos

que reinterpretam processos de erosão,
nāo somente como destruição,

mas como catalisadores para novas
formas de ver, adaptar-se e agir no mundo.

Participam da conversa os curadores
Julia Naidin e Fernando Codeço,

assim como o pesquisador Sérgio Pereira
Andrade, professor

no Departamento de Artes e Cultura
de Estudos Teatrais da Universidade

de Amsterdã, na Holanda.

Também temos a Shauna Janssen,
professora de performance

e criação no departamento de Teatro da
Universidade de Concórdia, em Montreal,

e Laura Levin, professora e diretora

do Hemispheric Encounters, da Universidade
York.

Então, por favor, Fernando, Julia,
contem-nos mais sobre esse projeto

maravilhoso. A palavra é de vocês.
Bem-vindos.

Ok.

Boa tarde a todos.

Meu nome é Júlia, vou tentar falar em
inglês, mas se eu tiver problemas,

Nós temos o Firmo aqui para nos ajudar.

Primeiro, gostaria de agradecer a todos
vocês

por nos receber e pela oportunidade
de falar sobre a exposição.

É um prazer para nós poder
compartilhar isto com vocês.

Nós ficamos muito felizes com o resultado

dessa exposição, e nós achamos que

esta é uma forma de mostrar partes do
trabalho que estávamos fazendo ali,

de uma maneira mais concreta,

e, como posso dizer, visível.

Então

podemos começar

com o

Power Point.

Esta é uma ótima introdução

Para que vocês saibam que no últimos anos
nós recebemos

mais de 60 artistas e pesquisadores
ali em Atafona

compartilhando interesses

e pensamentos em sobre como
a arte pode mudar

a perspectiva

em alguns territórios

e também sobre como podemos
nos comunicar

sobre a situação,
expandindo as narrativas

para que não fiquem somente

localizadas no território, para que
amplifiquemos

o debate.

Então, para esta exposição,

nós selecionamos os artistas,

e, especialmente, artistas de alguns
grupos específicos que estiveram lá.

Um grupo específico com Daniel Toledo em 2022

e outro com Hernández

sobre erosões visuais, em 2018

e também com um grupo–

uma escola de artes no Rio

chamada Escola Sem Sítio,
podemos traduzir talvez

como "Escola Sem Lugar," em 2019.

Então, nós vamos mostrar um pouco
das 14 obras

que nós decidimos trazer para esta
exposição.

Então, Fernando, se você puder passar
de novo.

Como metodologia de trabalho,

nós sempre tentamos

nos posicionar como mediadores

entre o artista e o território,

já que moramos lá nos últimos sete anos.

Então, nós os recebemos.

E, acima de tudo, nós,

nós nos focamos

na experiência com o ambiente,
com a atmosfera, com a erosão

e também com a parte positiva do ambiente,

o prazer que o ambiente ainda nos pode
oferecer ali.

Então, nossa mediação era focada
na escuta

às pessoas que viviam ali, e que
convivem com

a erosão, que aprendem

a viver com a erosão e se adaptam

à crise climática que o território

têm vivido nos últimos 17 anos.

Então nós temos ali
pessoas que já perderam

não apenas uma casa,
mas às vezes cinco casas, sete casas.

E como que as pessoas se adaptam a isso
e criam um processo de convivência?

Nós achamos que existe

um tipo de experiência pedagógica nesse

convívio

com a erosão,

e nós achamos que essa é

uma mensagem importante
a ser recebida pelos artistas.

Então, o nosso trabalho ali,
como vocês poderão ver,

não é focado apenas em
trabalhos em

um ambiente especial,

separado do artista durante a sua
criação,

mas também na praia,

no mar, no rio, com o povo.

É o que gostaríamos de pensar

como arte contextual, arte ambiental,

que é criada e construída em contexto,

e não como experiência isolada.

Então aqui têm umas imagens
dessas experiências

de caminhadas, convivências,
e de sentir o território.

Nós acreditamos muito
no tipo de informação

que essa experiência pode proporcionar

ao processo criativo.

Fernando, pode passar, por favor.

Esta é uma imagem do processo dos
artistas.

É uma imagem de dentro da casa,
como vocês podem ver.

Mas também você pode ver
algumas das peças

que os artistas costumavam colecionar
na praia.

No lado direito, vocês podem ver esses
pequenos...

–uma palavra em inglês que eu não sei é
"tijolo", Firmo.

As pequenas

peças que as pessoas usam para
construir casas.

Então quando as casas são destruídas
no processo

de erosão com o mar,

o mar e o processo de erosão

fazem um tipo de escultura,
essa palavra

que não sei traduzir (tijolo)

é a base dessas casas.

Tijolo ("brick"), sim. Obrigada.

E sim, então

aqui vocês podem ver,
você pode ter uma estimativa de tempo

que o tijolo está rolando

no mar e na praia.

E nós temos tamanhos diferentes
desses tijolos,

então é um

processo interessante que um dos
artistas

fez, não só ele, mas
é um processo interessante

de pensar sobre como o tempo
processa também a destruição.

Do outro lado, nós temos um artista

que trabalhou bastante fotografando,
e depois

fazendo colagens, com a–

não sei se "colagem"

é a palavra certa, mas
fazendo

certas fotografias, cortando e
arranjando-as para

pensar de forma diferente sobre as
imagens e a imaginação que pode,

que pode ser criada quando se
reorganiza as imagens.

Então, pode passar.

Ali, essa foto é de um lugar

específico.

É um bar, e também ateliê,
que também é uma casa.

Onde vivia um grande

amigo nosso, o Nico.

E a sua casa era maravilhosa
porque ele criava e vivia ali.

Nessa casa

era o bar onde ele vendia drinks,
mas também onde

ele trabalhava com o material
da terra,

também, para construir

um lugar muito específico
criado totalmente por ele.

E ele também tinha essa concepção

de criar com o que a terra dá,

com o que o mar dá,

e re-imaginar funções,

e imagens com tudo isso que,

na maioria das vezes, as pessoas
associam com lixo e entulho.

Então, foi nesse lugar específico

onde nós levávamos os artistas ali,
para ampliar

suas perspectivas sobre a arte

e que podíamos usar

para recriar os materiais.

Você pode passar, Fê, por favor.

Esse é o

Daniel Toledo, que também é artista

e é o curador da exposição.

Ali ele está escrevendo "futuro" na areia

Mas o que parece ser areia, nessa imagem,

era de fato o resto de uma rua.

Como posso dizer essa palavra
em inglês?

Também, (concreto).

Sim, o concreto da rua.

Ali havia uma rua,
mas o mar destruiu.

Essa área específica tinha

quatro quilômetros em frente.

E o que agora acontece nessa praia

é que toda a cidade está voltando
para atrás.

À medida que o mar avança na cidade,

a cidade se reconstrói de volta,

como o mar veio, e

as construções voltam para atrás.

E ali, não sei se vocês podem ver,

essa área tem um limite entre a areia

e onde está escrito "futuro."

Essa imagem do "futuro" é uma
imagem catastrófica,

Mas também nos convida a pensar sobre

o "futuro".

E o que podemos fazer nessa situação.

Mas esse é um trabalho que o Daniel

tem feito em locais diferentes

e ele tem pensado sobre isso como

uma crise, uma problemática
e ele tem alcançado isso

em muitos lugares diferentes.

Nesse caso, ele escolhe esse lugar.

E eu acho que foi um trabalho específico.

Não era o que estava em sua posição, mas

nós escolhemos mostrar a vocês

por causa dessa experiência limitada,

que isso foi escrito nesse lugar,
pode nos trazer.

Você pode

seguir, Fernando, por favor.

Aqui vocês tem uma experiência

dos trabalhos em vídeo que
aconteceram ali,

na imagem acima, é
Fernanda Branco, e

ela ficou por ali repetidamente, com essas

raízes das árvores

e fez uma certa forma de dança

onde ela vai para trás e ela entrou
nessa árvore

e então

ela dançou nessa raiz

e nós temos um vídeo dessa performance
na exposição

e é um vídeo impactante.

Talvez vocês possam assistir
em outro momento, se vocês quiserem

nós podemos falar com ela e talvez
mandá-lo pra vocês

porque é uma certa fusão entre,

entre o corpo e a raiz,

com o mar que entrou na raiz,
enquanto ela estava ali.

Então é um trabalho muito sensível,
também.

Você pode passar, Fer, por favor.

Aqui é dentro da casa do Nico,
como vocês podem ver.

Estava comentando com vocês como que ele
construiu tudo, cada nicho desse bar

foi construído por ele com qualquer
material que você possa imaginar.

Tipo, não há limites para

o que é uma base de uma
criação artística.

E tem outra residente,
Luciana Vasconcellos, que passou

alguns dias conosco ali e fez
algumas performances

nesse bar.

E o Fernando conseguiu

tirar algumas fotos
e na exposição nós,

nós conseguimos por algumas fotos
nela, em um "lambe"–

Não sei se você sabe, eu preciso de
ajuda para traduzir "lambe",

não sei se tem tradução para isso
em inglês.

"Wallpaper."

"Wallpaper", talvez.

Obrigada, Mari.

Eu acho que é colado com farinha-

"pôster de farinha de trigo".

(Em português) como se fossem

cartazes com cola

de, feita com cola

de, de farinha.

"Wheat based posters." É o nome
da técnica.

É, que é muito popular por ser barato,
né, e por

ter essa coisa de ser uma coisa rápida.

(Em inglês) Não há um esforço em

manter a estrutura e a integridade
do trabalho.

É possível fazê-lo rapidamente

e ele pode ser destruído
rapidamente também.

E houveram algumas boas imagens

aqui, que nós pudemos usar
na exposição também.

Então, Fer, pode passar.

Aqui temos a

Mariana Moraes que acabou de
se juntar conosco na reunião,

nos ajudando com a tradução
e ela estava fazendo

essa é uma performance

que–também não sei essa palavra.

"Redes de pesca". Quem pode me ajudar?

É o material que os pescadores usam para–

"Fishnet."

Isso.

É a maneira tradicional

na qual os pescadores trabalham,
não como as grandes

estruturas de pesca.

"Fish net", sim.

E também a Mariana,
depois dessa performance,

no outro lado da tela,
vocês podem ver o processo

da vídeo-performance que ela fez ali

em 2022.

E esse vídeo foi para a exposição.

Não a performance com a rede de pesca,

mas vocês podem também ver o ambiente.

E nós também queremos mostrar
a vocês um pouco do

visual do ambiente ali

e como nós estamos tentando

fazer os trabalhos

sempre sendo criados no território,

e não de maneira isolada.

Você pode passar, Fer, por favor.

Ok, aqui está o Tetsuya,

ele também é video-artista

e ele trabalha com

filmes antigos e

aqui nessa imagem vocês podem ver

que ele estava enterrando o filme na areia,

"burying", como "enterrando".

Então na areia

onde moram pequenos
animais e formas de vida,

acabam interferindo no filme

e depois ele processa o filme e roda

o filme na exposição.

Então você tem uma imagem muito
específica

como resultado desse trabalho e ele
trabalhou ali–

essa imagem é na areia com o mar
interferindo também, como vocês podem ver.

Mas ele também pôs o filme

dentro do rio por alguns dias

e ele foi exposto aos peixes,

à flora, não sei–

tudo no mar, e a vida animal

que interfere no filme, e depois
é maravilhoso assistir ao resultado.

E nós também o pusemos na
exposição.

Fer, passa, por favor.

Esse é o Vitor.

Ele é pintor e ator.

Ele trabalhava com teatro.

Mas como nós sabemos que ele
pinta, nós o convidamos

para a residência e pedimos a ele

para fazer algumas pinturas nas
casas que estavam abandonadas

pelos antigos

moradores.

E aqui temos ele em uma performance.

Performando com essas,

não sei, "bandeiras".

"Flags". Sim.

Essa bandeira branca, é Carol Valansi,
outra

artista que estava conosco.

E esse dia estava,
como vocês podem ver, nublado.

Estava garoando e com um vento forte.

Então, essas bandeiras brancas
representavam

algo como um sinal da paz.

Mas nesse ambiente, não havia paz,

era um ambiente em tensão

com a natureza, sempre em conflito

entre a construção da cidade
e o mar

que estava se adentrando na cidade
e fazendo essa destruição,

então, nesse contexto específico,
essa bandeira branca não nos trazia

necessariamente uma energia de paz,
mas em vez disso,

trazia um certo conflito com o símbolo.

Pode passar, Fer, por favor.

Sim.

Essa é a parte do programa educativo
que nós também fazemos ali.

Esse é um grupo de estudantes
que nós recepcionamos com a professora

que ensina ali e conhece o trabalho,
e sempre está em contato conosco

para trazer alguns estudantes e falar
sobre essa relação

entre arte e educação e as
possibilidades

da arte em falar sobre a crise ambiental.

É difícil falar sobre o que está ali.

Mesmo que eles vivenciem isso.

A vida cotidiana deles
é um assunto sensível

porque é obviamente a realidade deles.

Mas é um assunto triste, é um trauma.

É um trauma vivo, essa situação diária.

Então às vezes nós descobrimos que

a arte ajuda a falar sobre esses assuntos

e ajuda a lidar com o trauma

da perda, da perda das casas, perda das
memórias.

Então, essa função pedagógica

da arte, de falar sobre a crise ambiental,
é muito importante para nós também.

Fer, por favor.

Essa é a Sarojini,

ela é uma artista da Índia, que no fim

foi ali para trabalhar conosco e
também fazer uma vídeo-performance.

Fernando, passa, por favor.

Esse é um frame do trabalho de vídeo

que eu fiz lá, eu estava trabalhando com
arquivos ali.

Pensando em algo

entre como

se pode transformar um arquivo
privado em um

arquivo público, e vice versa.

Com esse complexo

e a situação delicada e política sobre
o que é um arquivo privado

e o quão público ele pode vir a ser,
para nos facilitar

a falar sobre coisas que são políticas,
que tocam a todos.

Essa moça, ela fez um
arquivo sobre como o mar

destruiu o prédio em frente
à casa dela.

E eles fizeram um mini documentário
sobre isso

chamado "Mar Concreto".

E Fernando, talvez,

você pode colocar outra imagem,
mas eu também acho que talvez

eu possa passar a palavra a você agora.

Sim. Para que você possa falar
sobre a exposição em si,

e depois nós podemos falar um pouco mais

na conversa.

Vou mutar o meu microfone.

(Em português) Bom, eu vou falar

aqui um pouco brevemente
da exposição, apresentando

primeiro aqui um panorama geral
de como a gente organizou a exposição.

Vocês vão ver que

algumas obras que estão na exposição
já apareceram na

apresentação da Júlia, ainda em processo

e aqui a gente tem

algumas imagens que mostram

como essas obras foram organizadas
no espaço

pensando sempre as relações entre

elas, né, como elas podem criar diálogos

entre o processo de cada artista.
Nessa imagem

a gente tem três trabalhos,

dois deles são meus,
que tão aqui

mais à direita, que eu–os caranguejos

que fazem parte de uma série de trabalhos
que eu venho realizando

com esses materiais que eu vou coletando
na praia, e essas redes

que eu crio essas instalações

que vão também criando outras
formas, pensando também

na relação com a história da arte

com a materialidade, a
questão da arte concreta

...

(em inglês) me faz pensar sobre a
história da arte, sobre arte concreta.

E esse material tem uma característica
meio fantasmagórica

que é como eu vejo

o ato da pesca.

A pesca tem essa presença na
história do Brasil.

E também tem um papel importante

em termos da economia.

Paolo Victor também trabalha com isso.

Como vocês podem ver, essa é uma
janela que ele achou na praia, em Atafona

onde a gente pode ver o trabalho do Daniel
ao fundo.

Ele também trabalha com
materiais encontrados

na praia.

Então essa é uma parte da exposição
feita com

materiais encontrados na praia,

e há um diálogo entre esses materiais
encontrados na praia

com o tradicional e o moderno–

obras modernas.

O Daniel também trabalha com colagens.

Ele usa madeira.

Você pode ver algumas delas ao fundo

e ele as utiliza,

ele usa o plástico de garrafas
de refrigerante

para fazer essa montagem.

Aqui também podemos ver
trabalhos de vídeo.

Esse é parte do vídeo

que é parte da exposição.

Também veremos parte do trabalho
da Isabela.

Veremos com mais detalhe em breve.

Aqui, vocês podem ver
parte da sua obra.

Esse é um tipo de raiz,
mas é feito de látex.

Esse é o que vocês veem

perto do centro da foto.

Tem algo mais ao fundo que tem um
caráter mais agressivo.

É feito de vidro e cerâmica.

Também podemos ver o trabalho da
Tais.

Essa obra foi feito em estúdio.

O objetivo é capturar a atmosfera, partes

da paisagem que eles viram e tentaram
capturar.

Vocês podem ver as fotografias do
Luciano na parede.

Essa é parte do encontro do Luciano

no bar do Nico.

Esse trabalho é do Rafael,

e esse é da Carol.

Então, esse é um percurso bem
rápido pela exposição,

mas agora nós podemos ver as obras
com maior detalhe.

Então, essa é uma instalação do Daniel.

Aqui, o detalhe mostra como que ele
juntou as peças

usando uma garrafa plástica.

Todos os elementos foram
encontrados na praia.

Esse é o meu trabalho.

É assim que eu prendo a rede.

Isso mostra a ideia de criar

essas formas geométricas

adicionando o neo-concretismo
brasileiro.

Esse material é bem abundante.

As redes se desfazem

e os pescadores as jogam fora.

Eu fiz muitas obras com essas redes
porque esse é o tipo de material

que é bem perigoso para a vida marinha

quando volta ao oceano.

Então há uma tentativa de

cuidar do material, e de reaproveitá-lo.

Agora, os caranguejos.

Há uma relação com a vida

e com a erosão.

Então estou juntando tudo.

Eu encontrei esses tijolos e esses
vergalhões de ferro e os juntei.

Essa obra nos lembra essas criaturas,

criaturas que moram nos mangues de
Atafona.

Esse é o Paulo, ao lado da janela
que ele pintou.

Esse trabalho remonta à ideia de que
o mar está voltando,

é uma ideia popular entre a comunidade
local, especialmente entre os pescadores.

Essa ideia de que o mar
está recuperando

o que pertence a ele.

Na verdade,

esse pedaço de terra, em algum ponto,
já pertencia ao mar.

Cientificamente falando, isso também é
verdade.

É isso que se diz.

Que o mar está voltando.

Vocês também podem ver isso
na pintura.

Essa é outra linda obra que
estava presente.

Essa obra é do Rafael.

Ele organizou esses restos de tijolos

sobre esses cadernos.

Ele nos convida a pensar sobre

um tipo de escrita geológica.

E também sobre o processo artístico.

Nós estamos criando uma linguagem

através da erosão.

Essa é parte da referência.

Essa obra é da Isabela.

Vocês podem ver no detalhe,
é uma obra bem delicada.

Ela usa vidro, cerâmica, látex.

E aqui temos o mesmo trabalho,
mas sob uma perspectiva diferente.

Essa obra é do Tetsuya.

É o filme que ele coletou
de um arquivo antigo.

Ele o enterrou na areia.

Areia monazita–

que é um tipo específico de areia
que existe ali.

É uma areia de baixa radiação.

Vamos assistir agora.

Essa obra é da Tais,

que também é uma obra
bem intricada e delicada.

Muito bonita, é bem viva.

Ela cria essa dinâmica entre sal,

vidro, e ferro.

O sal meio que erode
o ferro que sustenta o vidro.

Vocês podem ver isso na imagem
da esquerda de quando ela

juntou os materiais pela primeira vez.

E aqui é depois, mostrando a
corrosão

que o sal criou na obra.

Essa obra é do João Racy.

É uma captura de um vídeo.

Ele filmou a janela de uma casa

que está sendo enterrada pela areia.

Tem um pouco de movimento

nas plantas.

Então, nós criamos isso,

havia uma TV na parte de trás da parede
para remeter a essa ideia da janela.

Essa obra é da Caroline,

que nós também a vimos

na apresentação da Júlia.

Ela tem essa bandeira bem grande que
ela traz ao nosso ponto de encontro

entre o rio e o mar.

Ela criou essa obra aqui ao fazer
esses selos-

selos postais.

Ela me lembra um pouco do vídeo,
né,

porque você pode ver o movimento
da bandeira ao longo da obra.

E aqui é a bandeira.

Nós a instalamos na parte externa
da exposição.

Aqui, nós podemos ver a obra da
Lu by Lu.

Esse é o encontro dela com o Nico.

E o lambe-lambe de novo.

Aqui ela os colou no lado de fora.

Ela falou um pouco sobre o encontro dela

com o Nico em Atafona.

Lu, que é ativista, uma artista trans,

uma pessoa preta,

e ela adiciona tudo isso ao seu trabalho,

como uma mulher trans no Brasil.

É importante para ela

compartilhar esses momentos,

momentos no qual ela pode expressar
sua arte,

sua subjetividade,

e ela pôde compartilhar muito do seu

pensamento conosco.

Aqui estão os vídeos,

nós não vamos ter tempo
de mostrá-los agora,

mas eu gostaria de falar que
esses vídeos estão presentes lá.

O vídeo da Fernanda Branco.

O vídeo da Julia, que ela já falou.

Mariana e Sarojini.

Então, aqui estamos.

Eu tentei ficar em tópico.

Para termos bastante tempo
para conversar.

Eu espero que vocês fiquem
com uma visão geral

da exposição.

Nós tivemos que escolher

entre vários artistas que
passaram pela Casa Duna.

Eu espero que isso os dê
uma ideia do trabalho que fizemos.

E gostaria de agradecer a todos.

Gostaria de abrir a conversa para
continuarmos com o debate.

É minha vez?

Ok.

Obrigado pelo o que vocês nos
trouxeram hoje,

Fernando, Julia,

Eu tive a oportunidade de visitar

Atafona com vocês dois.

Eu pude testemunhar
o trabalho que vocês desenvolveram ali.

Eu acho que é importante

compartilhar isso com o grupo que está
conosco hoje.

Estou reforçando algo que eu vejo
no seu trabalho, né.

Tem essa persistência.

Vocês estão lá há oito anos já.

Vocês vão lá desde 2017,

então já são oito anos

de trabalho.

Eu sei o quão importante
isso é pra vocês

e vocês sabem

que isso é um contraponto
a outros trabalhos

que visitam Atafona e vão embora

ou fazem dessa visita um espetáculo.

Esse processo de erosão

existe há 60 anos.

E foi acelerado

pela atividade industrial na área.

É um processo violento

que se está agravando

por meio de intervenções e abusos

ao meio ambiente.

E isso mostra as várias maneiras
que artistas,

e a arte pode produzir,

que eles podem usar parte desse processo
no seu trabalho também.

Eu acho que o que estamos tentando fazer
é mostrar

uma opção para pensar sobre
uma continuidade,

um processo de criação de conexões.

Você tem esse trabalho

de conscientização ambiental
com a comunidade.

Vocês trabalham com o Movimento Sem Terra

no Brasil.

Desculpa.

Tem uma moça que é ativista,

eu esqueci o nome dela,

me perdoem.

Sim. Sim, posso te ouvir.

Perdão.

Houve uma pausa ali.

Então, sim.

Vocês têm trabalhado em frentes
diferentes, né?

Pesquisa acadêmica, arte,
pesquisa artística.

Vocês estão fazendo um
pós-doutorado,

vocês trabalham com um grupo de teatro–

Grupo Erosão.

Mas eu tenho uma pergunta.

Minha pergunta é sobre essa escolha

de não fazer um espetáculo

desse processo de erosão.

Não romantizar esse processo
é uma escolha.

Vocês podem falar sobre isso?

Como vocês veem esse processo

de evitar

fazer um espetáculo

ou de evitar romantizar isso?

O evento

"Invento o Cais"

né, que usa um verso da música

sobre criar algo,
recriar algo,

algo que precisa ser
constantemente re-criado.

Então, há essa ideia de
continuar criando

e recriando.

Existem

muitas, muitas camadas.

E essa erosão é muito simbólica.

Como que vocês entendem essa
não-romantização,

esse processo de erosão, esse

não-olhar a esse processo como algo
exótico,

mas também não fazer disso

um cenário catastrófico.

Vocês poderiam falar sobre isso?

Podemos comentar isso?

Acho melhor ouvir todas as perguntas antes

e depois nós respondemos

no fim.

Olá,

Oi, sim.

Vou ser breve.

Podem me ouvir?

Ótimo.

Ok.

Bom, eu queria

primeiramente agradecer à
Julia e ao Fernando

por apresentar este

trabalho maravilhoso e

talvez aproveitando o que

o Sérgio comentou sobre como
vocês fazem esse

trabalho e se inserem na comunidade

sem romantizar o trabalho.

E não sei se tenho alguma
pergunta ou um comentário

mas o que mais me impressionou
foi essa tensão

e a atenção e mobilização dadas

ao publico e à comunidade em relação
a essa tensão entre

o natural e o cultural, essa dinâmica
entre o cultural e o natural, e

especificamente em relação às obras
que você estava compartilhando, Julia,

meio que pensando sobre, através das
imagens

e desta tela, algumas dessas obras

conjuram

sentimentos de ternura
para mim

e de luto ritual.

E eu comecei a pensar sobre, esse processo
ritualístico de testemunhar

o que está acontecendo no local também.

Então eu estava pensando que, para mim,

isso tem a ver com um tipo de
oposição entre

a preparação do espetáculo e

esse tipo de pensamento sobre essa
testemunha dessas ações.

Eu não sei se é isso que vocês andam
testemunhando

porque vocês estão bem inseridos e
incorporados no local, e o fazem há tanto
tempo.

Então eu acho que é uma pergunta
sobre pensar sobre

como vocês veem esse trabalho, como
um ritual de luto ou de testemunha?

E eu acho que quando nós vemos imagens
da água, nós imediatamente

começamos a sentir sobre como nós
estamos nesse ritmo dessa erosão

e testemunhamos isso nesse tipo de
natureza-morta dessa documentação.

Então, não sei se é uma pergunta
ou um comentário.

Eu acho esse trabalho e o projeto
muito comovente.

Então, vocês poderiam falar algo
sobre isso?

E minha outra pergunta é sobre o quão
envolvida era a população local

e a comunidade, o quão presentes
eles eram na colaboração deles com–

se vocês podiam falar sobre a importância
da agência deles

no trabalho, e como anfitriões.

Em relação a essas pessoas que vêm de fora

entrando e trabalhando no local.

Não, tudo bem.

Eu estava esperando que nós íamos
perguntar e vocês iam responder,

perguntar e responder.

Então, eu acho, serei breve
se nós estamos nesse formato,

eu também gostaria de agradecer
a vocês por compartilhar isto conosco

e dar meus parabéns.

É um trabalho muito comovente

e impressionante que eu acho
que nós todos podemos aprender bastante.

Eu estou muito interessada em

algo que o Fernando disse.

Nós estávamos falando sobre criar
uma linguagem

para a erosão e

me fez pensar sobre a questão de

qual é o papel que a performance tem
na sua obra.

É uma pergunta

sobre o que eu sempre retorno,
porque a apresentação e o trabalho,

dessa forma, nessa forma que nós estamos
vendo, é em um tipo de instalação.

Mas vocês também descrevem dança,

a mulher que está dançando na
raiz da árvore, por exemplo,

e eu também conheço
parte das suas obras

que são mais voltadas ao teatro
e eu tive o prazer de participar

de um workshop que o Fernando facilitou
que também era baseado em teatro.

Então, eu estou interessada no

papel que a performance tem em criar

um tipo de linguagem para a erosão, se é
isso que ela faz, e

o que

a performance faz que outros tipos
de arte näo conseguem fazer,

ou será que performance não é o termo
mais útil para pensar

sobre esse conjunto da obra
que vocês estão compartilhando conosco?

Estou interessada na especificidade
das obras

e na linguagem que elas criam no contexto
do colapso ambiental.

E eu acho que, para mim, isso também
se refere a algo

que a Julia estava se referindo, que
eu achei muito comovente, que é pensar

sobre a parte pedagógica desse trabalho,

e Julia, você estava falando sobre

como que a arte, no
contexto da crise ambiental

pode nos ajudar a lidar com o trauma
da perda,

o trauma da perda de coisas materiais que
nos importam bastante,

mas também a eventual perda da memória.

Então, eu vejo esses dois lados operando
em diálogo

um com o outro.

Eu vejo a ideia de criar uma linguagem

como uma conversa, com essa ideia
de ajudar outras a lidar com o trauma.

E estou bem interessada em ouvir você
falar sobre tudo isso.

E também, porque o Hemispheric Encounters

é um projeto transnacional, gostaria de
pensar se essa linguagem é específica ao local

ou se ela pode se transferir a
outros contextos de colapso ambiental.

Na América do Norte, por exemplo,
nós vimos imagens muito fortes,

por exemplo, de Los Angeles.

E uma destruição ambiental severa.

É um contexto totalmente diferente,
uma situação diferente.

Mas nós estamos falando sobre
desastres ambientais em outro contexto.

Então, podemos pensar sobre uma linguagem

que também pode viajar?

Esses são meus pensamentos.

Eu acho que posso responder
melhor dessa forma.

O Sergio trouxe várias questões.

Trouxe paradoxos,

dificuldades, obstáculos.

Eu acho que uma razão
para estar ali

é para trabalhar esses paradoxos.

Como que nós podemos construir,

como podemos construir obras que
trabalham com

a linguagem que lida com a
destruição,

algo que vai além de um
olhar negativo.

Mas como que essa destruição

afeta outras coisas sendo produzidas?

Alguém sai da sua casa

porque vê o mar se aproximando.

Outra pessoa entra ali, habita essa casa,

cria um bar, algo que funciona durante o
verão.

E como que isso é algo novo.

Isso cria vida.

Cria novas possibilidades.

Isso é algo que poderia ser considerado

como passado, jogado fora.

Essa ideia

da romantização, de se fazer um espetáculo
disso.

É um desafio, definitivamente, e nós
estivemos ali por vários anos.

Nós hospedamos artistas que
ficam por uma semana e depois vão embora,

e depois criam obras que nós não temos
controle algum sobre elas.

E isso é a razão

do nosso foco estar na mediação entre
os artistas e o ambiente

para que esses artistas
possam ouvir ao povo,

para que suas experiências ali
impactem eles

de uma maneira sensível

no seu trabalho.

Eles poderão desenvolver
algo que talvez venda, talvez não.

Mas nós

não estamos preocupados com isso.

Nós estamos mais preocupados com o
processo de aprendizado que isso terá
no futuro.

Obviamente, nós não temos

controle sobre o que eles farão

e as informações que eles terão
acesso ali.

Nós sempre estamos organizando
reuniões

para que as pessoas possam falar sobre
suas experiências

aos artistas.

Então, não tenho uma resposta melhor.

Sou do Rio de Janeiro.

Eu fiquei chocada quando cheguei

em Atafona.

A experiência de ensino

precisa vir com a vivência da perda

e com a criação dentro dela.

É uma condição existencial.

A pedagogia não é específica
a um conteúdo,

a catástrofe ambiental

nos toca a todos.

Se nós somos pessoas

que levamos os problemas ambientais a
sério.

E sim.

No Brasil, nós os estamos sentindo.

Eu acho que todos nós vamos ter que lidar
com essa perda.

Essa perda material, perda de um certo
estilo de vida,

muitas perdas.

Como que a comunidade recebe isso?

Bem, muito bem.

Às vezes eles estão felizes com isso.

Acreditem ou não,

esse não é um tópico que
recebe muita atenção.

Mas nós nos mudamos para lá.

Então nos tornamos vizinhos.

E é assim como o povo vê isso.

Nosso trabalho é trazer a atenção a isso,

a destacar isso,

criar um diálogo sobre isso.

Eu acho que a performance
tem um papel especial

no trabalho que a gente desenvolve.

Eu acho que é o contexto, eu acho
que é a própria natureza da performance

que nos permite usá-la.

A performance é uma linguagem que é
muito importante

para nós.

Nós, como um grupo de teatro,

nós sempre estivemos muito ligados
à performance.

Nossos trabalhos sempre estiveram
enraizados em performance.

Talvez seja na praia,

talvez seja um trabalho de arquivo.

É um tipo de teatro que sempre nasceu

do território.

E eu vou parar por aqui.

Desculpa, houve muitas perguntas. Eu
também quero abrir espaço pro Fernando.

Eu gostaria de falar sobre essa ideia do
fim do mundo.

Há um pensador importante no Brasil,

o Airton Krenak,

que diz que o mundo acabou várias vezes.

Vários mundos acabaram.

Então, quando nós vamos nessa
direção,

o que nós vemos é que isso
não é o fim "do" mundo,

mas o fim "de um" mundo.

É algo que nos vai mostrar
uma nova experiência.

É parte de um ciclo.

Não é o apocalipse que vai ser
o fim de todos nós.

Nós vamos ter que seguir lidando
com as

consequências das nossas ações,
nossas explorações,

nossas formas de interagir.

Então, pode ser mais complexo que
simplesmente um fim,

algo que simplesmente

acaba com os nossos problemas.

O fim não existe.

E os mundos têm se findado
por muito tempo.

Eu acho que Atafona fala sobre isso

e em várias maneiras ele extrapola
e conecta

com várias outras experiências do fim,

várias que nós temos vivido, e que estamos
vivendo agora.

E nós continuaremos a viver.

Eu acho que há uma pedagogia existencial.

É triste e feliz ao mesmo tempo.

Ela traz uma tristeza e uma

melancolia, por natureza.

Eu acho que é uma experiência
muito rica

o viver nesse território, algo muito
valioso.

É isso.

Eu vou tentar complementar
o que

a Julia disse.

Vou começar com os pontos que
o Sergio tocou.

Me parece que

quando nós trabalhamos com uma arte
e nós tentamos nos engajar,

nós tentamos ser responsáveis para com
o meio ambiente,

nós não temos uma pergunta,

mas há algo que nós sabemos,

que é que nós vamos tentar construir
alianças.

Nós vamos ter que abrir māo de
algumas coisas.

Nós vamos ter que nos envolver
com os territórios.

Nós vamos ter que passar um tempo ali.

Esses são alguns pontos que
nós sabemos

que são vitais para que o nosso trabalho
faça sentido de alguma forma

para que ele tenha algum tipo de impacto
para as pessoas que vivem ali.

Nós vivemos ali,

mas nós escolhemos viver ali.

No entanto, há pessoas que vivem
ali porque

eles não têm nenhum outro
lugar para ir.

Nós sabemos que nossa presença ali
é diferente.

Sempre haverão estrangeiros lá, de uma
forma ou de outra.

Então, como é que o nosso trabalho
pode ser relevante para eles?

Nós não sabemos.

Mas nós entendemos que

existe arte que não se preocupa com isso.

Existe arte que existe para produzir

o processo de exploração,

mas nós estamos ali

e o nosso trabalho é às vezes
apontar o dedo e dizer "opa,

o que vocês estão fazendo aqui é isso",
como se você não está sendo de ajuda?

Me desculpem,

Não tem som.

Voltou.

O som do Fernando parou.

Existe um lugar parecido chamado

Açu que... desculpem.

Eu não consigo ouvir o Fernando.

Então, temos que estar atentos.

A arte pode ter diversas formas,

várias formas de interação.

Me desculpem.

Não sei o que está acontecendo. Vou...

Sim, está melhor agora.

De onde recomeço a falar?

De onde você parou.

Me parece que existe uma nuance que nós

podemos notar.

As obras de arte existem.

O som do Fernando parou de novo.

Então, eu acho

que nós temos ao menos

um bom resumo da resposta.

A conexão foi erodida.

Eu acho que esse é o momento

de fechar este espaço para que nós--

ou será que a gente espera um pouco mais?

Sim, vamos esperar.

Vamos esperar então.

Sim, vamos esperar.

Até eles voltarem.

Eu vou mandar uma mensagem

ao celular deles.

Ele tá dizendo que os dois

perderam a conexão.

Vamos ver o que ele diz.

Ele tá digitando.

Ele vai tentar de novo

pelo celular.

Você sabem que quando nós trabalhamos
hemisfericamente

sempre acontece algo com

a conexão, sempre.

O fuso horário.

Então, nós sempre temos que ter um
pouco de, tipo um

contra-ataque, como um momento de
performance

para os intervalos quando as pessoas
vão embora.

Eu gostaria de nomear a Denise

que cria shows de fantoche incríveis para

ter algo pronto para sessões futuras.

Para que o teatro de fantoches possa

assumir a reunião quando a gente espera
a conexão retornar.

Seria uma maneira orgânica da gente
lidar com

o desconforto.

Então.

Exatamente.

Eu também nomeio a Jess.

Jess também pode prover...

A Julia tá aqui.

Ela voltou.

Ela voltou.

Desculpem.

Vamos ver se o Fernando

volta.

Se não, ele vai vir aqui.

Um segundo.

Parece que ele está–

Fernando?

Pode me ouvir?

Mas como que o efeito da erosão pode--

é o fim do mundo.

O começo do mundo.

Nós estávamos falando sobre
a relaçāo--

--ela tem dimensões que

nem sempre se relacionam ao

comprometimento

ativista,

e o Invento o Cais mostra esse
comprometimento.

Nós temos outros trabalhos.

Outros trabalhos que são mais
territoriais

como o museu móvel.

A ideia é criar um diálogo direto

com a comunidade

nós queremos trazer nossas obras para
a comunidade,

para a comunidade de pescadores,

mas nós temos que tomar cuidado.

Nós sempre temos que estar pensando
sobre isso.

Não importa onde eu trabalhe

com pintura.

Existe alguma maneira que eu possa
fazer essa obra ecoar

com esse local?

Então, aqui respondendo a pergunta do Sérgio.

Agora falando sobre as questões da Laura,
eu falei sobre a ideia

de criar uma linguagem que está conectada à
erosāo.

É algo que aprendemos ao longo do tempo,
que a gente cresce pensando que

o artista é esse tipo de gênio

que está criando algo muito especial

e muito diferente.

Existe uma--

o ego tem um papel importante.

Mas o que nós pensamos agora é
que as obras existem

para se criar com elas, e para criar
parcerias.

Claro, nós ainda somos os autores

de alguma forma, mas nós compartilhamos

a autoria com o território.

Agora nós sabemos que esse trabalho não é
simplesmente

o produto de um gênio artista.

Nós estamos escutando o que a erosão
está produzindo,

o que o território nos diz.

Nós estamos trabalhando com um tipo
de intérprete.

Eu acho que a ideia da tradução

nas artes é algo que é bem interessante.

Nós também podemos entender a arte
sobre essa perspectiva.

Algo que vai além do humano.

A arte não pertence somente à
perspectiva humana.

Nós podemos pensar sobre a arte
dessa forma, e esse tipo de arte

que a gente trabalha, tem algo que
realmente existe nesse,

nesse ponto de encontro, que existe

dentro desses processos ambientais.

Que existe dentro dos sentidos.

Eu não acho que exista uma maneira de
criar essa linguagem

por fora desse relacionamento.

Mas eu acho que, uma vez criado,

sim, que a linguagem pode expandir.

Sim, nós estamos trabalhando localmente,
mas nós entendemos que esses tópicos säo

globais.

Eles são específicos à Atafona,

e Atafona reflete questões que
existem em outros lugares.

Eu acho que isso é refletido nas obras.

Talvez eu esteja perdendo algo.

Mas, em termos gerais, eu acho que é isso.

É isso que tinha para compartilhar
com vocês.

Esses são meus pensamentos.

E agora, o que fazemos?

Liguem as suas câmeras
e aplaudam.

Eu não sei se
tem alguém aqui

que gostaria de falar algo? Porque
estou só eu, Laura e Shauna.

Mas talvez há outra pessoa que queira
comentar.

Eu gostaria de abrir o espaço.

Tá todo mundo com vergonha de falar.

Tudo bem.

Sem problemas.

Sim, eu acho que precisamos
encerrar.

De qualquer forma, nós

precisamos aplaudir o Firmo

que está fazendo um trabalho
sensacional.

Obrigada, Firmo.

Foi incrível.

Sempre.

Obrigado, obrigado a todos.

Obrigado por essa oportunidade.

É muito importante para nós.

É muito importante ser parte disso.

Eu não acho que eu

agradeci a todos do The Coop.

Nós realmente estamos muito agradecidos

por esta oportunidade de
compartilhar isso com vocês.

E esperamos que a gente continue
este diálogo.

É um trabalho muito importante.

Sim, estamos muito felizes com isso.

Eu vou pegar o microfone agora para

agradecer em nome do Encontros Hemisféricos,
que é essa rede bem grande de pessoas.

O Fernando é o nosso membro pós-doc.

Ele acabou de concluir o seu projeto

e eu gostaria de agradecê-lo.

Ele nos deu a oportunidade de nos encontrar
na Casa Duna.

Também gostaria de agradecer por
essa parceria

e gostaria de continuar trabalhando
com vocês.

É isso.

Obrigada a todos.

Muito obrigada a todos.