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S’HABILLER POUR S’EXPRIMER
LA NUANCE DANS LES VÊTEMENTS DE DANSE

Le projet L’évolution du ballet
est une initiative menée par des jeunes

qui responsabilise et mobilise des jeunes
à travers le Canada

pour aborder les questions d’équité,
de réconciliation et de racisme anti-Noir

dans le domaine du ballet.

Bonjour et bienvenue
à S’habiller pour S’exprimer.

À mesure que cette forme d’art évolue,

je pense qu’il est important
d’avoir des conversations

sur le rôle des vêtements de danse

et sur la manière
de favoriser l’authenticité.

Je m’appelle Monroe,
j’ai 16 ans et je viens de Vancouver, D.C.

Jasmine, veux-tu te présenter?

Bonjour, je m’appelle Jasmine.
J’ai également 16 ans.

Je viens de Mississauga, en Ontario,

et je suis membre de l’Assemblée
des jeunes de L’évolution du ballet.

Mais avant d’entrer dans le vif du sujet,
laissez-moi vous présenter nos panélistes.

Commençons par vous, Jordana.

Bonjour à tous,
je m’appelle Jordana Daumec.

Diplômée de l’École nationale de ballet,

j’ai fait carrière pendant près de 20 ans
au Ballet national du Canada.

Aujourd’hui, j’ai le plaisir
d’enseigner à nouveau à cette école.

Je suis ravie d’être ici.

J’ai effectué
de nombreuses tâches au fil des ans

dans le cadre du programme EDI
pour le monde du ballet.

et je suis ravie de poursuivre
mon engagement.

C’est génial, incroyable! Merci.

Aaliyah?

Bonjour à tous,
je m’appelle Aaliyah Garcia

et je suis danseuse professionnelle
à Toronto.

Ma carrière de danseuse professionnelle
dure depuis plus de 14 ans,

et j’ai récemment changé de voie
pour devenir professeure de danse

et mentore de jeunes danseurs.

Je suis également entrepreneuse

et possède ma propre marque
de vêtements de danse,

Exposed,
qui propose des tenues inclusives.

C’est très joli, merci.

Et maintenant, pour finir, Mlle Renee.

Bonjour à tous,
je m’appelle Renee Raymond.

Je suis psychologue provisoire agréée

et psychothérapeute agréée à Toronto.

Je travaille avec beaucoup de personnes
très performantes.

Je travaille avec des danseurs de ballet
et des athlètes,

du niveau universitaire
au niveau de l'équipe nationale.

J’accompagne également
des danseurs de ballet professionnels

et étudiants, ainsi que des entraîneurs
et des enseignants,

pour les aider à améliorer
leurs performances sur scène

et leur santé mentale en cas de problèmes.

Excellent!
Je vous remercie tous d’être ici,

et j’attends avec impatience
une grande discussion,

alors passons à cela.

Ma première question s’adresse
à Jordana et Aaliyah :

comment votre parcours a-t-il contribué
à votre passion et à votre engagement

en faveur de l’accès des danseurs
à des vêtements de danse inclusifs?

Cela ne me dérange pas de commencer.

Je pense que mon parcours a commencé

de la même manière
que celui de nombreux danseurs.

J’ai grandi en dansant
dans un studio de danse local.

Je me souviens que je participais souvent
à des compétitions

et qu’on m’avait attribué un solo en jazz.

Il y a eu des circonstances particulières
qui m’ont amenée à réfléchir,

voire à m’interroger
sur les raisons pour lesquelles

il n’y avait pas d’options disponibles
pour les danseuses.

Ma mère, dans ce solo,

teignait mes chaussures de jazz en marron.

Je me souviens qu’à chaque fois
que je montais sur scène,

il y avait de petits points beiges

à l’endroit où mes orteils s’appuyaient.

Ce souvenir m’a toujours marquée.

Puis, lorsque j’ai commencé
ma carrière professionnelle

et que j’ai suivi
une formation à l’université,

il n’y avait toujours pas d’options
pour les personnes de couleur.

Cela m’a incitée

à produire moi-même ce produit,

pour les danseuses et les danseurs
qui m’ont suivie.

C’est ainsi
que ma carrière a été influencée.

C’est une très belle réponse.

Je vous remercie.

Et vous, Jordana?

Pour ma part, j’ai grandi à New York

et j’ai eu la chance d’être entourée
de tant de formes d’art différentes.

J’ai notamment fréquenté

l’académie Little Bit
et le DTH (Dance Theatre of Harlem).

J’ai donc grandi en apprenant
que les collants

ne révélaient pas notre identité

et l’histoire de leur création.

J’avais ressenti la même chose
lorsque j’étais entré dans la compagnie.

Lorsque nous devions faire des crêpes
avec nos chaussures

pour les ballets contemporains,

j’avais davantage confiance en moi.

Je me regardais dans le miroir
et j’aimais ma silhouette.

Tout le monde ressentait la même chose.

Tout le monde en était conscient.

Peu importait le problème,
nous nous sentions tous mieux ainsi.

Ensuite, je n’ai pas vu
les options disponibles.

Soit, quand il y avait une option,
c’était des chaussures de jazz marron.

Tout le monde était obligé de porter
des chaussures de jazz marron.

Et évidemment,
cela n’allait pas à tout le monde.

C’est tellement beau de voir
qu’il y a de plus en plus d’options

et que des gens sont...

Aaliyah, je vous désigne

parce que vous êtes
dans mon champ de vision.

Il y a des gens

qui font en sorte que tout le monde
puisse monter sur scène.

C’est ce que j’ai vu en grandissant
au sein du Dance Theatre of Harlem,

et c’est devenu la norme.

Aujourd’hui,
c’est la norme pour tout le monde,

et c’est possible pour tout le monde,
dans toutes les compagnies,

dans tous les arts.

Nous écrivons l’histoire
de la véritable essence des collants.

À l’origine, ils devaient être
de la couleur de la peau,

mais il était impossible
de danser les jambes nues.

D’où vient donc cette couleur rose
dans le monde du ballet?

C’est incroyable de sentir
que la boucle est bouclée.

J’ai eu cette impression
en voyant DTH quand j’étais plus jeune.

Je réalise maintenant

que c’est ce que nous devrions avoir
pour tout le monde.

J’ai aimé que vous mentionniez
la couleur de vos vêtements de danse.

Mais à quel moment de votre carrière
avez-vous réalisé que c’était un problème

et qu’il était urgent
de changer notre système,

afin que nous disposions de costumes
inclusifs pour tout le monde,

et pas seulement
pour un type de look spécifique?

Quand avez-vous commencé
à vous en rendre compte?

Oui, je pense que j’ai commencé
à m’en rendre compte assez tôt

à cause de l’expérience que j’avais eue
avec les couleurs de chaussures de jazz

et avec les couleurs de collants.

Nous portions tous
des collants marron clair.

Je me souviens qu’au moment où j’ai vu
la première paire de collants marron,

j’étais très enthousiaste.

J’ai demandé à ma professeure
si je pouvais les porter avec mon costume,

mais comme il n’y avait pas de chaussures
à l’époque,

elle m’a dit que je ne pouvais pas,
car cela aurait coupé mes lignes.

À partir de ce moment-là,
j’étais assez jeune.

J’avais peut-être 11 ans à l’époque.

Plus tard, j’ai eu l’expérience
des chaussures de jazz,

puis, à l’université,

quand il n’y avait toujours
pas d’options de couleurs.

Je pense que cela a marqué un tournant
dans ma carrière

quand je me suis dit :
« Après tout ce que j’ai accompli,

il n’y a toujours rien qui me convient.

Ce n’est pas acceptable.
Alors, comment puis-je contribuer

à changer cela
et à l’intègre dans la communauté? »

C’est pareil, je viens des États-Unis

et je pense que l’ambiance était
différente à New York.

C’est comme un petit univers
à part entière dans cette ville.

En arrivant ici, j’ai vu que les couleurs
n’étaient pas disponibles.

Je l’ai vu, mais je ne pense pas que,

parce qu’il s’agit
d’une compagnie de ballet classique,

ce n’était pas un sujet de conversation
jusqu’à ce que la pandémie

nous donne une minute
pour avoir les conversations

que nous n’avions jamais eues
auparavant.

C’est un peu comme lorsqu’on se concentre
uniquement sur le ballet,

sur les étapes
et sur la mise en œuvre du spectacle.

Et puis, quand on n’y arrive pas,

on s’assoit,
on redevenait des êtres humains,

on se parle et on se rend compte
de ce que les gens ressentent,

de ce qui nous aiderait
à être plus à l’aise,

de ce qui nous permettrait d’être
encore plus performants sur scène.

Je pense que lorsque cela s’est produit,

beaucoup d’entreprises ont commencé
à entendre ces conversations

et ont ressenti la nécessité de fournir
des collants à tout le monde.

C’est donc un grand changement.

C’était intéressant.

Je l’ai remarqué
tout au long de ma carrière

et dont j’avais le sentiment
d’être un peu impuissante.

Et puis, une fois
que les conversations ont eu lieu,

de voir ces entreprises, Capezio,
Bloch et Freed,

se dire :
« Faisons quelque chose maintenant ».

Et puis, avoir des entrepreneurs

qui ont l’expérience
de leur propre vie personnelle

à mettre en avant pour la transmettre.

Oui, donc c’est un peu comme ça.

Je suppose que c’était un sentiment
d’impuissance de ne rien faire

jusqu’à ce que ces conversations
commencent.

Merci beaucoup.

Monroe, souhaitez-vous poser
votre prochaine question?

Votre première question.

Oui, bien sûr.

Renee, pourriez-vous nous parler

des défis que représentent
les codes vestimentaires stricts

et l’accès limité à la danse inclusive
pour les danseurs de couleur,

et comment cela peut affecter
leur santé mentale,

leur confiance en soi et leur motivation?

C’est une excellente question.

Parfois, les codes vestimentaires
sont très stricts,

surtout lorsque vous êtes jeune danseur.

À cette période de votre vie,

la norme est de porter
une couleur spécifique

ou un vêtement de danse particulier.

À cette époque,

les gens sont en train de former
leur identité de danseur,

ou de développer leur identité de danseur

ainsi que leur identité personnelle.

Il est parfois très difficile de ressentir
ce sentiment d’appartenance,

parce que si vous teignez vos vêtements,

par exemple,
cela peut envoyer le message suivant :

« Pourquoi suis-je le seul à faire cela? »

ou « Pourquoi suis-je l’un des rares
à le faire,

contrairement aux autres? »

Cela peut varier d’une personne à l’autre,

mais parfois,
cela peut donner le sentiment

que cette forme d’art a été créée
pour les autres,

ou qu’elle n’a pas été adaptée
pour accepter les personnes comme vous.

C’est quelque chose qui peut être choquant
pour certaines personnes,

parce qu’elles peuvent penser
que : « C’est juste un vêtement,

tout le monde porte la même chose. »

Pour certaines personnes,

ce n’est peut-être pas un défi
ou un problème,

mais pour celles qui se soucient
de représenter leur couleur de peau,

leur identité,

et qui en retirent un sentiment
de confiance et d’estime de soi,

cela peut conduire
à des problèmes subtils.

Dans certains cas, les personnes
qui se sentent suffisamment à l’aise

pour l’exprimer bruyamment
peuvent se dire :

« OK, je ne sais pas
si j’ai ma place ici. »

En ce qui concerne
les effets sur la santé mentale,

cela peut entraîner une forte anxiété

lorsqu’il s’agit de porter des vêtements
qui ne sont pas assortis.

Ou encore,
vous obtenez des couleurs génériques

et vous vous dites :
« Ça ne me convient pas. »

Cela peut détourner
l’attention du danseur de sa performance.

Cela peut l’amener à se demander :
« Est-ce que je corresponds au rôle?

Ai-je l’apparence souhaitée
entre guillemets, sur scène? »

ou « Ai-je une présence sur scène? »

Cela peut être accentué,
surtout lorsqu’ils sont peut-être

les seuls danseurs de couleur sur scène
et au sein de leur compagnie

ou de leur école,

parce que cela les « différencie »
des autres.

Ce qui peut entraîner de l’anxiété,

une baisse de l’estime de soi,
de la confiance,

et dans certains cas,
des sentiments de dépression,

même s’ils luttent pour trouver des moyens
de se connecter à leur identité

et de relier leur sentiment de soi
au fait d’être un danseur.

Cela met beaucoup de pression
sur les danseurs

qui doivent essayer de concilier
tous ces éléments différents

alors qu’en réalité, ce qu’ils veulent,
c’est sortir, danser

et se représenter
sous leur forme la plus authentique.

Oui, oui, je comprends cela.

Vous avez parlé de cette pression
qui vous oblige à demander ces choses,

à demander à l’autorité
si vous avez besoin

d’une autre couleur de peau
ou de chaussures.

J’ai le sentiment, en écho avec vous,
que cela affecte votre confiance en vous.

C’était donc...

Oui, bien sûr,

parce que si c’est vous
qui devez demander ces choses,

c’est vous qui portez la responsabilité
de la décision en tant que danseur.

Nous évoluons dans un environnement
où l’uniformité et la conformité

sont très importantes.

Et puis, encore une fois,
vous vous considérez comme différent,

ce qui pourrait
mettre beaucoup de stress inutile

sur ceux qui ne sont peut-être pas
aussi à l’aise pour le demander.

Cela soulève peut-être les questions :

« Pourquoi dois-je demander cela?

Pourquoi est-ce qu’on me l’offre?

Ou pourquoi est-ce qu’on me l’offre
comme option? »

Comme je l’ai dit,
si certains danseurs choisissent

de ne pas porter de vêtements de danse

qui correspondent à leur couleur de peau,

c’est tout à fait normal.

Mais c’est important de donner à ceux
qui se sentent plus à l’aise

et qui veulent se représenter
la possibilité de le faire.

Oui, c’est tout à fait possible.

Jasmine, pourriez-vous passer
à la question suivante?

Oui, ma prochaine question
s’adresse à Jordana.

Quelle est la différence
entre les tenues d’un étudiant

et celles d’un danseur professionnel?

Comment les deux codes vestimentaires
peuvent-ils évoluer

pour permettre des costumes inclusifs?

Il y a de grandes différences,
c’est certain!

Avec les étudiants,
on veut des lignes épurées,

donc pas de chemise ample
en ballet classique

ni d’échauffements amples.

Alors qu’en tant que membre
d’une compagnie,

il s’agit plutôt
de « Oh, j’ai mal aux cuisses,

il me faut des vêtements amples

pour maintenir la chaleur
à l’intérieur en ce moment ».

Mais pour un étudiant,
ce n’est pas possible.

Vous devez garder les collants uniquement
dans le justaucorps,

pour que le professeur puisse
vous regarder

et vous donner des commentaires
et des corrections,

ce qui est amusant,

car vous devriez toujours faire cela
dans la vie professionnelle,

mais c’est un tout autre sujet.

Oui, c’est différent.

J’ai l’impression
que l’on peut se sentir plus exposé

du fait que l’on ne peut pas se cacher

et qu’il faut être en justaucorps
et en collants,

alors que dans un cours de compagnie,

si l’on a mal quelque part,
c’est plus facile de le dire.

Si je n’ai pas envie
de me présenter ce jour-là,

je peux porter ce que je veux.

Cela peut varier
d’une compagnie à l’autre,

mais vous pouvez porter
ce dont vous avez besoin pour le moment.

Mais au bout du compte,
lorsque nous montons tous sur scène,

nous devons tous porter le costume,
quel qu’il soit.

Même si vous êtes parfois mal à l’aise
dans ce costume,

vous devez quand même aller danser

pour montrer
que vous n’êtes pas mal à l’aise,

et ainsi vous présenter
et offrir un bon spectacle.

Cela peut être très difficile à faire

si vous ne vous sentez pas à l’aise
dans un costume.

Dans une compagnie,

vous pouvez vous aider
à vous sentir plus à l’aise,

mais à l’école, ce n’est pas possible.

L’école et la scène sont plus liées
qu’il n’y paraît,

notamment lors d’un cours en compagnie,

car on est très exposé sur scène.

En tant qu’étudiant en studio,
on ne peut pas se couvrir.

En effet.

Puisque vous avez occupé les deux postes,

pourriez-vous nous dire lequel a été
le plus difficile pour vous?

En tant que membre d’une compagnie,
vous faites un travail.

C’est votre travail,

mais vous travaillez pour ce travail.

- Alors, lequel était...
- Oui!

Je ne sais pas, quand on est étudiant,
on a tellement d’aspirations,

et je me concentrais
sur la vue d’ensemble, par exemple,

me produire sur la scène
pendant quatre saisons.

Je veux me montrer au monde.

Puis, en vieillissant,

je pense qu’on commence
à acquérir de l’expérience.

Je pense qu’à l’âge adulte,
on prend conscience des conséquences,

de choses comme :

« Que va-t-il se passer
quand ça fait mal? ».

Le fait d’être membre d’une compagnie
a pu être plus difficile que l’école,

où l’on a le monde devant soi

et où l’on est libre de tout faire.

Oui, c’est ce que je dirais.

Magnifique, merci beaucoup!

Ma prochaine question s’adresse à Aaliyah.

Certaines grandes compagnies de danse

ont commencé à proposer
une large gamme de tons,

mais il reste encore beaucoup à faire.

Qu’est-ce qui empêche l’industrie
de s’engager pleinement

dans la voie de l’inclusivité?

Je pense qu’il y a
plusieurs raisons différentes

et que cela peut varier
d’une compagnie à l’autre,

en fonction de ses valeurs.

Mais je ne peux pas dire

qu’il y a une raison spécifique.

Je pense que j’ai commencé
à développer des vêtements de danse

il y a environ trois ans.

À part le fait d’être
une consommatrice de produits,

je n’avais aucune expérience
dans ce domaine.

Je pense qu’une entreprise
qui a cinq ou dix ans d’expérience,

c’est le cas de la mienne,
et probablement le budget aussi.

Je pense qu’elles ont
les ressources nécessaires

pour élargir leur inventaire

si j’étais capable de concevoir un produit

à partir d’une simple esquisse
ou d’une pensée

jusqu’à un article tangible.

Je pense que les entreprises doivent
assumer leur responsabilité.

Je ne pense donc pas
qu’il y ait une raison particulière

ou un obstacle spécifique
qui les en empêche.

Puisque vous possédez
une entreprise de vêtements de danse?

Oui, une entreprise, oui.

Une entreprise, parfait.

Quel est l’obstacle
le plus difficile à surmonter

pour s’assurer

qu’il y ait des vêtements de danse
pour tout le monde,

et pas seulement pour un type
de vêtements en particulier?

Quel est, selon vous, l’obstacle
le plus difficile à surmonter?

Pour ma part,

je dirais qu’il y a deux obstacles
difficiles à surmonter.

Le développement des produits
prend beaucoup de temps,

donc quand on travaille
avec des teintes plus foncées,

il faut surtout obtenir
le bon sous-ton, etc.

Nous développons des produits
pour une large gamme de teints.

Il y a aussi le budget.

En tant qu’entreprise émergente,

il faut bien sûr consacrer
beaucoup de ressources

au processus
de développement des produits,

puis à l’achat des stocks.

C’est donc produit par produit
que je travaille pour l’instant.

Ce sont les deux principaux obstacles
à surmonter.

Génial!

- Est-ce que je peux intervenir?
- Bien sûr!

J’ai également trouvé

cette vidéo de Lauren Anderson
très intéressante.

Elle est danseuse principale
au Houston Ballet.

Elle a dit que l’éclairage filtré

et la façon dont
il se reflétait sur ses collants

faisait toute la différence.

Elle est donc allée voir
la société de production

et l’équipe d’éclairage

et leur a dit :

« J’ai besoin de ces nuances
dans mes lumières ».

Lorsque je fais mon solo,
j’ai besoin d’un filtre différent

de celui d’une personne
au teint plus clair.

Même en matière de collants,
on peut avoir la teinte parfaite,

mais il faut que l’équipe d’éclairage
de la production le sache,

pour qu’elle se reflète bien
sur les collants.

Il s’agit également
d’avoir cette éducation.

Cela va de pair
avec le fait que les collants

doivent être beaux sous l’éclairage,

parce que j’ai aussi constaté,

même en studio,
qu’ils semblaient d’une certaine couleur,

et qu’ils étaient
d’une autre couleur sur scène.

Je devais teindre mes chaussures
d’une couleur différente

de celle de mes collants
en fonction de la nature des filtres.

Dans le studio,
on pourrait avoir l’impression

que ça ne correspond à rien du tout,

et sur scène, c’est plutôt génial.

Mais je trouve cela très intéressant.

Développer différentes nuances
est un processus fastidieux.

Oui.

Oui, c’est fou.

C’est tellement fou.

En voyant cela, je me suis dit
qu’il fallait travailler dur

pour pouvoir proposer cette gamme.

Il faut travailler dur, il faut du temps,

il faut de l’attention
pour être capable de dire : « OK.

Je n’y aurais pas pensé.

Ah oui, l’éclairage aussi. »

Il ne s’agit pas seulement
de vêtements de danse.

Il s’agit de l’éclairage,
mais aussi d’autres facteurs

qui nécessitent que toute la production
soit impliquée dans ce processus,

et donc que nous soyons capables
d’évoquer ces éléments.

Je pense que pour ceux
qui veulent faire ces changements,

cela leur permet de savoir comment
nous pouvons les aider dans ce processus.

Mais cela souligne le fait

qu’il faut s’engager à examiner
ces différents facteurs

et à procéder à ces changements.

Comme je l’ai dit,

s’il incombe au danseur de choisir

une belle pièce qu’il estime lui convenir

et d’essayer de l’assortir
à ses vêtements,

l’éclairage n’est pas tout à fait
à sa hauteur.

Et comme vous l’avez dit,

ce danseur a contacté
l’équipe chargée de l’éclairage

et a réussi à réaliser cet ajustement.

Que se passe-t-il si cela
n’est pas possible dans certains endroits?

Et comment cela affecte-t-il
leur confiance sur scène

alors qu’en fin de compte, je pense
que les gens veulent être capables

de donner le meilleur d’eux-mêmes
sur scène?

Je considère donc cela
comme des victoires.

C’est un peu de travail,
mais quel bénéfice en tirons-nous?

C’est pour une belle production,

pour des danseurs confiants,

pour que plus de gens s’impliquent
dans cet art magnifique.

Oui, tout à fait.

Vous!

Oui, donc en plus de cela,

comme nous le savons,

la tradition est toujours présente
dans le ballet et la danse.

Ma question pour Jordana et Renee
porte sur les vêtements de danse.

Quand les traditions deviennent-elles
un obstacle au progrès,

en matière artistique

et de développement
des artistes de la danse?

Alors, oui.

Jordana, pourriez-vous commencer
par l’aspect artistique?

Oui.

Je pense que l’atout de la tradition
est qu’elle peut servir

d’outil pédagogique

et permettre d’y incorporer
ce que l’on ressent

et ce qui se passe
dans la culture actuelle.

On peut donc conserver
les fondements d’une tradition,

mais il faut qu’elle puisse évoluer
en fonction de la situation actuelle.

Je pense donc qu’en ce qui concerne
les compagnies,

le problème est de savoir
si la tradition va se perdre

ou s’il faut trouver
un moyen de la conserver.

J’ai l’impression que lorsque je regarde
l’histoire de la nature des collants,

je me dis que la tradition voulait
que nous les portions,

et que nous n’avions pas le droit
de montrer notre peau

dans les tribunaux français

ou dans toute l’Europe.

La tradition voulait
que ce soit la couleur de peau.

Les collants, c’est cool!
On peut garder les collants

et créer des couleurs de peau
pour tout le monde.

Pour moi, il s’agit toujours
de respecter cette tradition,

mais dans ce qu’elle est aujourd’hui.

Notre culture d’aujourd’hui.

Ce n’est plus comme au début du ballet,

quand il n’y avait
qu’un seul type de tissu, le satin,

et qu’il fallait porter
des collants en satin.

Nous avons donc évolué
avec le type de tissu dont nous disposons,

de sorte que nous pouvons continuer
à faire vivre la tradition,

comme le fait Aaliyah aujourd’hui.

Oui, je pense beaucoup à cela.

Je pense qu’un corps de ballet
incarne l’idée d’unité et d’unisson.

Je sais qu’ils pensent beaucoup
à l’uniformité.

Ils se demandent si tout le monde
porte des collants roses.

Mais comment pensez-vous
que cela puisse évoluer?

Pensez-vous qu’il faille porter
des collants roses?

Ou pensez-vous qu’il s’agit plutôt
de l’intégrité artistique de l’uniformité?

Oui, c’est une très bonne question.

Je crois que nous avons fait un ballet
appelé Concerto,

et les collants étaient
d’une couleur plus chaude,

ce qui donnait une belle apparence
à tout le monde.

Ce n’était pas comme le rose du ballet,

qui est délavé, comme nous le savons.

C’était juste un blanc éclatant
qui reflétait la lumière sur scène.

Comme il s’agissait
d’une teinte plus chaude,

elle convenait à tout le monde.

J’ai l’impression
qu’il existe des options comme celle-là,

où l’on remplace le rose serré

par une teinte de peau plus chaude
qui convient à tout le monde.

Il ne convient pas à tout le monde,

mais il est plus complémentaire.

Ou bien, en ayant littéralement
toutes les nuances de mélanine

sur cette scène dans leur propre teinte,
on obtiendra l’uniformité.

J’ai l’impression
qu’il existe deux approches différentes.

Personnellement,
j’ai l’impression que la solution

qui consiste à faire en sorte
que toutes les carnations se sentent

magnifiques sur scène est uniforme
et agréable à regarder.

L’autre solution est le Concerto moulant.

En fait, le collant s’appelle aussi
« Concerto »,

comme la couleur du collant.

L’idée était que tout le monde soit

dans une teinte plus chaude,
plus complémentaire,

pour le bien-être de tous.

Puis il fallait encore faire des crêpes
à nos chaussures,

et nos chaussures ont dû être
teintes en couleur concerto,

parce qu’elle ne correspondait pas
aux tristes chaussures roses.

Alors oui, je dirais que j’aimerais

que nous nous dirigeions tous
vers une approche

où chacun porte la nuance qui lui convient

et qui lui permet de se sentir à l’aise.

Oui, je pense que c’est tout.

Merci beaucoup.

Renee, pourriez-vous
nous parler de la tradition

en matière d’approche
de la santé mentale des danseurs,

ainsi que des idées traditionnelles
actuelles à ce sujet?

Oui, et je pense que Jordana
a mis en lumière des éléments importants

concernant l’objectif de la tradition.

J’ai moi-même pratiqué le taekwondo.

La tradition,
en particulier celle des arts martiaux,

est un processus continu.

La tradition peut être
une chose formidable et merveilleuse.

Lorsqu’il s’agit d’évaluer l’impact
sur la santé mentale,

il s’agit de se demander :

quel est le sens associé au changement
de certaines traditions?

Comment les comprenons-nous?

Pourquoi procédons-nous
à ces changements?

Comme l’a mentionné Jordana,

vous pouvez préserver
l’essence de certaines traditions

tout en reconnaissant
que la société s’est adaptée et a changé,

et que nos besoins ont évolué.

Utiliseriez-vous nécessairement
les mêmes produits que nos parents?

Non, car nous avons découvert
que certains produits

ne fonctionnent pas bien
ou ne sont pas sains pour nous.

Il faudra peut-être les modifier
pour continuer à les utiliser,

mais les fondements de ces produits
sont peut-être toujours là,

et leur valeur aussi.

Lorsque nous réfléchissons aux changements
et à leur impact sur la santé mentale,

je pense que nous devons être attentifs

à identifier

ce qu’il est logique de préserver

et de conserver dans l’univers du ballet.

Et puis, pour les choses qui pourraient
être changées ou améliorées,

car le changement
n’est pas forcément mauvais,

il faut d’abord être capable
de commencer la conversation

avec ceux que ces sujets affectent
c’est-à-dire principalement les danseurs.

Il s’agit de comprendre leurs besoins.

Pour donner
le meilleur d’eux-mêmes sur scène,

lors de leurs entraînements
et dans les salles qu’ils remplissent,

ils doivent se sentir
au mieux de leur forme.

Et s’il s’agit de quelque chose
d’aussi important que simple,

comme « nous pouvons apporter
des modifications aux vêtements de danse

pour qu’ils les rendent confiants
et inclusifs ».

Je pense que c’est une tradition
qui mérite d’être mise en avant.

De plus, l’objectif est toujours
de préserver la forme d’art.

Celle-ci peut être préservée,

mais elle peut aussi être améliorée
si les danseurs ne se sentent pas inquiets

ou, comme je l’ai dit, rejetés ou jugés

s’ils décident de parler de ces choses.

Nous devons donc être capables d’avoir
des conversations ouvertes.

Nous devons être capables
de nous engager dans des conversations

sans être sur la défensive,

parce que même avec cela aussi,

parfois, la réponse automatique est :

« La forme d’art ne devrait pas changer.

Rien ne devrait changer dans le ballet ».

Nous n’avons même pas l’occasion d’engager
une conversation du genre :

« Pourquoi est-ce un problème
pour quelqu’un? »

Et la conversation s’arrête,

sans que l’on sache ce qui peut arriver.

La personne peut décider
d’arrêter la danse.

Cela peut affecter sa performance

et avoir tous ces autres effets superflus.

Par contre,
lorsqu’une conversation est engagée,

il est possible de trouver un équilibre
entre les besoins de la personne,

la tradition et la forme d’art,

et de produire une œuvre magnifique.

Oui, sans aucun doute.

Pour conclure, j’aimerais faire le lien

entre toutes ces discussions
et vous demander

à quoi ressemblera, selon vous,
l’avenir de la danse inclusive

dans cinq ou dix ans.

N’importe qui peut répondre.

Aaliyah va répondre à cette question.

C’est elle qui va répondre.

Je sais, j’ai l’impression
de bien connaître le résultat potentiel.

J’espère que mon entreprise pourra
mettre en œuvre

la plupart de ces changements

et de guider l’évolution
des vêtements de danse.

Je pense que Jordana
a fait une remarque pertinente.

Je pense que cette gamme de nuances

est probablement l’avenir
des vêtements de danse,

pas seulement pour les collants,

mais aussi pour de nombreux
autres articles essentiels

dont nous avons besoin
pour différents styles de danse.

Je pense également
que les entreprises vont s’efforcer

d’inclure davantage le corps

et peut-être aussi d’élaborer
des vêtements de danse

pour les styles folkloriques
plus traditionnels.

Je pense que c’est ce qui va se passer.

Oui, bien sûr.

En outre,

plus il y aura de produits disponibles
et plus la demande sera forte,

plus les compagnies
et les écoles finiront par comprendre

qu’il s’agit de la bonne solution.

Ce sera la nouvelle tradition
qui s’ajoutera à l’ancienne.

Il s’agit simplement de les superposer
et de les rendre plus fortes,

plus belles et plus inclusives.

Oui, c’est certain.

J’ai peut-être un point de vue
légèrement différent.

Je pense que la demande
ne fera qu’augmenter.

Et je pense que, du côté positif,

les personnes impliquées
dans la conception des costumes

deviendront plus créatives

et plus ouvertes
quant à la manière d’intégrer

des vêtements de danse inclusifs
dans les productions.

Je pense que plus la question
sera abordée,

plus les gens auront le temps
de se sentir à l’aise et de se dire :

« OK, nous pouvons travailler avec ça ».

C’est formidable!

Cela offre de nouvelles opportunités.

Je suis consciente toutefois
que cela évoluera également

en fonction de la façon
dont les institutions réagissent

à cette évolution.

Je pense que si les institutions,

les écoles de ballet et les compagnies
soutiennent ces options,

les vêtements de danse
ne seront plus perçus

comme une chose effrayante à incorporer.

Mais si ces conversations
sont interrompues,

nous verrons différentes choses
liées à l’EDI être repoussées,

ainsi que des positions très dures

et des choses qui allaient
dans des directions très progressives.

Dans certains cas,
elles sont tout simplement éliminées.

Je pense que cela pourrait potentiellement
faire de ce sujet un sujet de controverse

alors qu’il n’a pas lieu d’être.

Cela pourrait être magnifique

et offrir une nouvelle vie
à la scène de ballet,

mais il faudra que tous les niveaux
soient en mesure de soutenir cela.

Les étudiants comme vous,

les entreprises de vêtements de danse
qui développent cette gamme de produits,

ainsi que les institutions,
doivent se dire : « Oui, nous y tenons. »

Nous voulons voir cela pour qu’il puisse
devenir un élément principal,

une force durable,

pour qu’il puisse diriger le pouvoir,
désolé, et prospérer.

Oui, je pense aussi

que c’est ce que l’école fait si bien ici.

J’espère également
que notre salle de chaussures

sera extraordinaire,

car ils ont une gamme magnifique
pour tout le monde

et des chaussures assorties.

En prenant cet exemple,

ou même l’entreprise,

le département des costumes
et des chaussures,

s’assurent que la maille des costumes
correspond à la peau de chacun.

Il n’existe pas de maille unique
qui convienne à tout le monde.

Les chaussures sont assorties
à chaque teinte,

car nous sommes tous différents.

Chacun de nous est unique.

J’ai l’impression que des institutions
comme celle-ci sont en première ligne

et montrent qu’il ne s’agit pas
d’un retour en arrière.

C’est là où nous en sommes, c’est la base,

et maintenant, nous continuons
à progresser à partir de là.

Ce serait tellement beau
si les gens commençaient

à faire un pas en arrière.

Oui, je sais qu’au début,

quand j’ai eu accès à la danse inclusive,

il n’y avait que des collants
de la même couleur que la peau.

J’ai d’abord hésité,

car je ne voulais pas être différente
ou sortir du cadre dans mon environnement.

Comment pensez-vous
que l’industrie de la danse

peut promouvoir ou permettre cette option

d’avoir ces articles
qui vous représentent?

Je ne sais pas, c’est difficile.

C’est un peu comme l’œuf et la poule,
n’est-ce pas?

Plus on le voit,
plus on se sent à l’aise pour le faire.

Mais tant qu’on ne le voit pas,
je ne sais pas, c’est comme ça.

C’est du genre : « Si mon ami le fait,

j’ai un peu plus confiance en moi
et je vais le faire aussi ».

C’est donc une sorte de collectif
avec des amis,

mais aussi l’industrie dans son ensemble,

pour que vous puissiez voir
ce que vous faites sur scène.

Avoir cette confiance en soi,

se dire qu’on est belle
et qu’il faut se montrer,

ce qui, je le sais, est très difficile,

et c’est quelque chose
qui revient tout au long de la vie.

Je pense que nous sommes constamment
en train de nous battre avec ça.

Oui, qu’en penses-tu, Aliyah?

Je pense que les magasins
de vêtements de danse

ont aussi la responsabilité
de sélectionner

et de s’assurer qu’ils proposent
des vêtements de danse plus inclusifs

dans leurs locaux,

pour qu’ils puissent
vous montrer ces vêtements

et vous faire savoir que vous êtes
les bienvenus dans cet espace,

et que vous êtes vus
dans cet environnement.

Il y a là une certaine responsabilité
pour les magasins de vêtements de danse.

Bien sûr,

les entreprises de vêtements de danse,

celles qui fabriquent les produits,

doivent veiller à ce qu’elles soient
conscientes de chaque nuance

qu’elles choisissent d’adopter
et de développer.

J’ai une question de la part
de Monroe et Jasmine.

Pour vous, si vous êtes dans un studio

et que vous portez
une couleur de peau différente,

comment vous sentirez-vous?

Une réponse?

Je ne veux pas être émotive,

mais j’ai l’impression d’être seule,

comme si j’étais différente.

Je me sens bien accueillie
dans mon studio,

car ils ont fait du bon travail
pour m’aider à me sentir intégrée.

C’est vrai.

Mais parfois,
j’ai l’impression d’être seule

et différente.

Je n’ai personne avec
qui partager mes centres d’intérêt,

car tout le monde est pareil.

Je suis juste là
avec des gens de peau plus foncée.

Je me sens différente.

J’ai appris à m’aimer,

même si ma couleur de peau est differente.

J’ai appris que nous dansions tous
de la même manière.

Certes, nous ne dansons pas tous
de la même manière,

mais nous dansons tous dans le studio.

Nous sommes tous ici pour la même raison.

Et maintenant, j’adore ça.

J’aime porter des collants couleurs chair.

Ma professeure de danse adore
quand je les portes.

Elle m’a aussi autorisé
à les porter sur scène par le passé.

Le fait d’avoir tout ce soutien
m’aide à avoir confiance en moi.

C’est vrai.

Lorsque j’ai commencé
à les porter l’année dernière,

on m’a demandé si je pouvais,

et je me suis dit :

« Non,
je ne veux pas voir la différence. »

Mais maintenant,
en les portants en classe,

j’ai l’impression...

J’ai l’impression d’être mieux représentée
dans l’espace.

Je suis désolée.

J’ai l’impression
de faire davantage partie de cet espace.

Désolé, c’est comme ça que je le ressens.

Mais au début, je me suis dit :

« Ce n’est pas pareil, je ne devrais pas.

Ce n’est pas ce qu’est
une danseuse de ballet. »

Je ne devrais pas porter ça.

Maintenant, j’ai l’impression d’avoir été
la première danseuse de ballet.

Donc oui.

C’est ça.

Mais il faut aussi se démarquer.

J’ai l’impression de me démarquer,

surtout que la couleur de peau
joue en notre défaveur.

Mais c’est une bonne chose
que nous soyons différents.

Nous n’avons pas à en avoir honte.

Nous sommes tous là pour danser.

On peut donc danser ensemble.

C’est pourquoi il est si important
que le soutien soit présent
du haut en bas de l’échelle,

pour que vous vous sentiez tous les deux à l’aise

et puissiez-vous dire :
« OK, oui, ma couleur de peau
est peut-être différente

de celle de certains autres danseurs,

mais je ne devrais pas en avoir honte »

ou « Je fais toujours partie intégrante
de cet espace ».

Ce soutien doit venir de tous les niveaux

pour que vous dépassiez

vos sentiments initiaux

et disiez :
« C’est pour moi, et je veux le faire. »

Et si c’est ce qui vous met
le plus à l’aise,

alors c’est une belle option.

Et puis, vos peaux sont resplendissantes,

et vos collants aussi.

Je me disais

que même s’il y a
des enfants plus jeunes que vous

qui vous admirent,
vous êtes des leaders.

Et ce que vous faites pour les plus jeunes

est tellement beau.

Alors oui, je veux voir,

je veux voir des vidéos, des danses,

je veux voir des photos,
je veux tout voir.

Merci beaucoup pour cette discussion.

J’ai l’impression que cela a
vraiment renforcé l’importance

d’avoir confiance en soi,
de regarder le ballet

et de voir où se trouvent les barrières
et qui il n’embrasse pas.

Merci beaucoup.

Pour ceux qui nous regardent,

n’oubliez pas de consulter
la page Instagram
« L’évolution du ballet. »

[ÉNB Canada]
si vous voulez en savoir plus.

Je tiens également à remercier
nos panélistes.

Cette discussion
me rend enthousiaste pour l’avenir.

J’ai hâte de voir
ce que L’évolution du ballet va faire

pour rendre le monde de la danse
plus inclusif,

mais aussi ce que tout le monde va faire
en regardant.

Le projet L’évolution du ballet
a été rendu possible

en partie grâce au gouvernement du Canada.

Un grand merci à tous nos partenaires et
sympathisants.

Merci beaucoup.

Oui!